Paul Stanley z KISS o optymizmie, obrazy z „czarnej serii”, występy w Wentworth Gallery

Od 1973 roku wokalista i gitarzysta KISS Paul Stanley wyrzeźbił sobie niszę jako jeden z najbardziej wciągających frontmanów rocka.

Mając swój udział w okładkach albumów, kostiumach, pisaniu piosenek, inscenizacjach i nie tylko, twórczość Rock and Roll Hall of Fame pomogła zdefiniować jedną z najsilniejszych i odnoszących największe sukcesy marek w historii rock and rolla.

Poza muzyką Stanley wykorzystuje swoją pasję i kreatywność zarówno do gotowania i sztuka. Choć stosunkowo nowy w świecie sztuki, zaczął malować dwie dekady temu, został nazwany „fenomem sztuki” przez Galeria Wentwortha Dyrektorowi Christianowi O'Mahony'emu za jego zdolność do pełnego wyprzedania ekspozycje galerii jego pracy.

Z dziewięcioma galeriami detalicznymi Wentworth jest jednym z najlepiej sprzedających się dzieł sztuki w kraju, szczycąc się wieloma ekskluzywnymi partnerstwami z artystami i muzykami.

Po dwóch wydarzeniach na Florydzie na początku tego miesiąca Stanley będzie obecny w ten weekend o godz Wystawy Wentwortha w Bethesda w stanie Maryland (piątek, 24 lutego w Montgomery Mall) i McLean w Wirginii (sobota, 25 lutego w Tysons Galleria), prezentując swoje prace w „Czarnej serii”, wyjątkowo żywych obrazach na czarnym płótnie zamiast bardziej tradycyjnych biały.

„Przez większość czasu malujemy na białym płótnie – ze względu na pomysł, że światło pochodzi zza koloru. Ale znalazłem trochę czarnego płótna i zaintrygował mnie pomysł, co mogę z tym zrobić” — wyjaśnił Stanley o początkach swojej „Czarnej serii”. „Odkryłem, że kolory są bardzo mocne. Wydawały się pojawiać znikąd – ponieważ nie miały za sobą światła. Więc mają tendencję do stania bardziej na pierwszym planie, ponieważ wycofują się w tle. Było to dla mnie zabawne odkrycie” – powiedział.

„Naprawdę, tym właśnie była dla mnie sztuka od samego początku, jest tylko odkrywaniem. Powiedziałabym, że tak naprawdę nie mam innego stylu niż ten, który łączy wszystkie moje ubrania – żywy kolor. Ponieważ dla mnie kolor jest reprezentacją, przynajmniej w moim przypadku, życia” – powiedział Stanley. „Widziałem pewnych artystów, których stan psychiczny lub psychiczny pogarszał się, a ich sztuka zmieniała się z żywej w prawie czarno-białą – znacznie bardziej ponurą. Postrzegam swoje życie w najgorszym dniu jako cud. Myślę, że życie jest niesamowite. I przedstawiam to kolorem”.

Rozmawiałem ze Stanleyem o optymizmie, „czarnej serii” w ten weekend Występy w galerii Wentworth, wystawa jego prac, która odbędzie się tego lata w prestiżowym Butler Institute of American Art oraz pomysł stworzenia autentycznej marki. Transkrypcja naszej rozmowy wideo, lekko zredagowana pod kątem długości i przejrzystości, znajduje się poniżej.

Kiedy doszedłeś do malarstwa jako kolejnego kreatywnego ujścia? Czy to było w młodszym wieku, czy jako dorosły?

PAWEŁ STANLEJ: Około 20 lat temu. Więc był młodszy niż dzisiaj! Ale to nie było młode. (Śmiech)

Przyszedł w trudnym czasie. Mój przyjaciel, mój najlepszy przyjaciel, powiedział: „Powinieneś malować”. To mnie zbiło z tropu. Ale to też odbiło się echem. Wyszedłem i kupiłem farby – kupiłem sztalugi, płótna i pędzle. Mniej więcej strumień świadomości z kolorem. A także po prostu naprawdę oczyszczający – emocjonalnie oczyszczający – bez większego zastanawiania się nad strukturą lub tym, co robiłem. To było po prostu oczyszczające – i bardziej produktywne niż krzyczenie pod prysznicem. Więc to było naprawdę bardzo satysfakcjonujące. I to mnie rozpoczęło w tej podróży.

A teraz zobaczmy… Oczywiście, są ludzie, którzy kochają KISS i są zaznajomieni z KISS, którzy mogą zdobyć trochę sztuki. Ale jest wielu ludzi, których KISS może mniej obchodzić, którzy nabywają tę sztukę. I miło jest przekroczyć oczekiwane.

Odważne kolory wydają się w pewien sposób definiować twoją pracę. I wydajesz mi się całkiem pozytywną osobą. Czy optymizm jest czymś, co masz nadzieję uchwycić w swoich grafikach?

Stanley: Tak. Wiesz, naprawdę czuję, że kiedy patrzymy na życie, patrzymy na siebie i patrzymy pozytywnie na świat, czynimy świat lepszym miejscem. Ponieważ kiedy bardziej akceptujemy innych ludzi i inne sytuacje, świat staje się milszym miejscem, jak go postrzegamy, a my stajemy się milszymi ludźmi.

Ten ostatni utwór, który zrobiłem, zatytułowany „Jakość pozostałego czasu”, tak naprawdę dotyczy śmierci. To wyszło ode mnie, po prostu oglądając stale, przynajmniej ostatnio, tak wiele ikon umierających w oczach opinii publicznej. To tylko wzmocniło dla mnie ideę pozostałego czasu. Mamy tu ograniczony czas. Upewnij się, że żyjesz pełnią życia. Na obrazie jest też napisane: „Żyj bez wymówek, umieraj bez żalu”. Wszyscy umrzemy – to właśnie robimy, kiedy tu jesteśmy.

A więc nie filozofuj ani nie rób z siebie Yody… Ale możliwe jest pozytywne przesłanie we wszystkim, co zdecydujemy się powiedzieć. A to, co chcę powiedzieć w mojej sztuce, to to, że wszystko jest pozytywne.

Oprócz autoportretów, w twoich pracach jest też więcej obrazów abstrakcyjnych. Jakie jest twoje podejście do bardziej abstrakcyjnych utworów?

Stanley: To trochę jak pójście do ciemnego pokoju i zapalenie świecy. Tak naprawdę chodzi o odkrywanie tego, co jest w pokoju – co możesz zobaczyć, co możesz wnieść. Więc wiele rzeczy, które robię, robię na ślepo. Nie chcę być ograniczony stylem. Nie chcę mieć stylu. To, co chcę zrobić, to pracować nad doskonaleniem wyrażania siebie i nie trzymaniem się jednego wyglądu.

Daleko mi do Picassa. Ale Picasso powiedział: „Gdybym miał opisać siebie jako malarza, powiedziałbym, że jestem malarzem bez stylu”. Myślę, że to świetnie! Nie interesuje mnie poznanie uzupełniających się kolorów ani tego, jakie kolory współgrają z innymi kolorami. Wrodzony, chcę wybrać moje kolory.

Patrzę na twój obraz „Gitarowe sny”. Oczywiście, znam twój związek z Ibanezem. Ale co próbujesz uchwycić, malując ten instrument? Czym jest dla ciebie gitara po tylu latach?

Stanley: W tym momencie jest to tak kultowe i tak bardzo związane ze mną.

Myślę, że podobnie jak wiele innych rzeczy, czas mówi wszystko – w związkach, w sztuce, w muzyce – a ta gitara z pewnością zaczęła się jako pusta kartka.

Innymi słowy, na przykład Les Pauls [Gibson] mają bardzo płodną historię – poza Les Paulem. Kiedy myślisz o ikonach takich jak Jeff Beck i Jimmy Page, Eric Clapton i Peter Green, myślisz o gitarze Les Paul. Kiedy zaprojektowałem i zacząłem używać PS10, gitary Ibaneza, nie miała ona żadnej historii. To było coś, co wydarzyło się w ciągu ostatnich 45 lat.

Jest więc ikoniczny. I chciałem to uczcić.

Obraz „Detroit Rock City” to oczywiście autoportret. Jak podejść do takiego kawałka?

Stanley: Nie przepadam za tym, co nazywam utworami zorientowanymi na KISS. Nie chcę być facetem, który maluje mój zespół. To zbyt wąski zakres. To powiedziawszy… Zrobiłem kilka kawałków, które mi się podobały. A to, co chciałem uchwycić, to duch. Chciałem uchwycić to, jak się czuję. To najważniejsze. Jeśli uda mi się uchwycić moje uczucie, uchwyci ono uczucia kogoś innego. Myślę, że jeśli jesteś wierny sobie, znajdziesz ludzi, którzy odnoszą się do tego, co robisz. Bo nie bardzo się różnimy. Myślę, że ogólnie moje prace łączą się z ludźmi.

Ale w przypadku niektórych z nich muszę naprawdę zapewnić [ludzi], że nie trzeba mieć wykształcenia artystycznego, muzycznego ani żadnej innej dziedziny, aby mieć miarodajną opinię. Twoja opinia jest ważna, ponieważ jest twoja. Sztuka jest naprawdę subiektywna. To, co wpływa na ciebie emocjonalnie, może nie mieć wpływu na kogoś innego. Więc po prostu staram się malować to, co czuję.

I z pewnością są ludzie, którzy nie mieli kontaktu ze sztuką ani teatrem. I chcę, aby ci ludzie czuli się komfortowo, ciesząc się czymś i czuli się uspokojeni w swojej radości. Więc dla mnie częścią tego jest burzenie tych granic.

Czułem to samo, kiedy to zrobiłem Upiór w operze. Niektórych onieśmielała idea teatru – ale teatr zaczął się na ulicy. Tak więc, aby zamienić to w romans w białych rękawiczkach, ludzie tracą jedno z najwspanialszych doświadczeń. Teatr na żywo ma znacznie większy wpływ niż filmy.

Więc to zawsze było częścią mojej krucjaty, że tak powiem – po prostu zburzyć te bariery.

KISS wypracował niemal nieporównywalnie silną markę. Ale dla ciebie, niezależnie od tego, czy pracujesz nad okładką albumu, kostiumami, malowaniem twarzy, „Czarną serią” czy czymkolwiek innym, co będzie miało na sobie twoje imię, jaki jest klucz do stworzenia marki, która rezonuje, pozostając autentyczną ?

Stanley: Myślę, że główną myślą musi być: „Co bym chciał? Co by mnie podnieciło? Co chciałbym zobaczyć na scenie?” Właśnie z tego narodził się KISS: pomysł bycia zespołem, którego nigdy nie widzieliśmy. To nie był pomysł: „Spróbujmy dowiedzieć się, czego chce publiczność”. To było: „Bądźmy tym, kogo mamy nadzieję zobaczyć”. Więc to się nie zmieniło.

Wszystko, w co jestem zaangażowany, naprawdę staje się pytaniem: „Jakiej potrzebie to we mnie służy?” Zwykle, bez względu na to, co robię, próbuję zrobić coś, co mnie ekscytuje – czy to scena, okładka albumu, czy ubrania, które nosimy.

Wiem, że Twoja praca będzie również prezentowana na wystawie Instytut Sztuki Amerykańskiej Butlera również tego lata w Youngstown w stanie Ohio. Czego ludzie mogą się spodziewać podczas tej wystawy?

Stanley: Dla mnie to zapiera dech w piersiach. To wspaniałe muzeum. I pierwszy, który naprawdę bronił amerykańskich artystów. Będzie to więc grupa kilku moich ulubionych i najlepszych kawałków. I będzie obejmował całą gamę różnych mediów: farbę na płótnie, farbę na pleksiglasie – różne rzeczy, które zrobiłem i nadal będę robić. Czasami budzę się w środku nocy i myślę o tym, jak jutro coś stworzę.